팀 호지의 TV 애니메이션 스토리보드 제작

인터뷰 원문

 

애니메이션 업계를 오랫동안 지켜보셨다면, 팀 호지(Tim Hodge)의 작품을 보셨을 가능성이 높습니다. 그는 1980년대부터 현재까지 여러분이 사랑하는 애니메이션 영화들의 보이지 않는 곳에서 활약해 온 베테랑 애니메이터이자 스토리보드 아티스트입니다. 팀은 뮬란(Mulan)과 브라더 베어(Brother Bear)와 같은 팬들에게 사랑받는 작품들에 스토리보드 작업을 했으며, 현재는 프리랜서로 활동하면서 스토리보딩과 드로잉을 가르치기도 합니다.

Tim이 최근 업계에 기여한 것은 애니메이션 TV 프로그램의 스토리보더를 대상으로 한 온라인 강좌입니다. 이 강좌는 스토리보드 프로에 중점을 두고 있으며, 이 소프트웨어가 아티스트가 작은 화면에 멋진 애니메이션을 구현하는 데 어떻게 도움이 되는지 배울 수 있는 인사이트를 제공합니다. 대본을 받는 순간부터 스토리보드 제작 과정을 종합적으로 살펴볼 수 있습니다. 아래 인터뷰에서 Tim은 스토리보더의 관점에서 대사를 분석하는 것부터 썸네일을 그리고 애니메이션을 위한 카메라 뷰를 최적화하는 것까지 프로세스를 세분화하여 친절하게 설명해 주었습니다.

Tim의 TV 애니메이션 스토리보드 제작 수업에 대한 자세한 내용은 모든 에피소드에 담긴 그의 업계 경험을 확인할 수 있습니다. 더 궁금하신가요? 아래에서 Tim과의 인터뷰를 통해 강의의 일부분을 살펴보고 강의에서 다른 팁과 기법을 확인해 보세요.

 

팀 호지는 이 단편 스토리를 'TV 애니메이션 스토리보드 제작' 강의 시리즈의 일부로 스토리보드를 제작했습니다.

 

아직 친숙하지 않은 독자들을 위해, 자기 소개 부탁드립니다.

저는 80년대에 TV 광고에서 일하면서 애니메이션을 시작했어요. 작은 스튜디오에서 스토리보드 작업, 애니메이션 작업, 동화, 셀을 칠하고 가끔 애니메이션 카메라 작업을 했어요. 이후 올랜도에 있는 디즈니/MGM 스튜디오(현 디즈니 할리우드 스튜디오)의 디즈니 장편 애니메이션으로 옮겼죠. 그곳에서 로저 래빗 단편 <트레일 믹스업>에서 동화 작업, <라이온 킹>에서 애니메이션을, <포카혼타스>에서 스토리보드 작업을 거쳐 뮬란, 존 헨리, 브라더 베어 등의 스토리 작업에 참여했습니다. 그 무렵 저는 디즈니를 떠나 'VeggieTales(베지테일즈)' 시리즈를 제작한 Big Idea라는 작은 스튜디오에 합류해 여러 에피소드를 연출하기로 결심했습니다. 2008년경에는 프리랜서가 되기로 결심하고 카툰 네트워크와 워너 브라더스의 쇼를 포함한 여러 스튜디오에서 일했습니다. 현재는 프리랜서 스토리보드 아티스트로 활동하고 있습니다.

 

툰붐의 Storyboard Pro가 커리어에 어떤 도움이 되었나요?

저는 약 12년 전에 처음으로 Storyboard Pro 4를 사용하기 시작했습니다. 처음에는 단순히 패널을 정리하고 고객에게 멋진 PDF 프레젠테이션을 제공하기 위해 사용했습니다. 하지만 Sherm Cohen의 튜토리얼을 보고 UI를 설명하는 방식이 너무 간단해 보였습니다. 스토리보드 프로를 사용하면서 프로세스가 정말 간소화되었고, 스토리보드를 훨씬 더 빠르고 효과적으로 제작할 수 있게 되었습니다. 이제 대부분의 스튜디오에서 스토리보드 프로를 사용하는 것 같아서 제 파일을 직접 업로드할 수 있고 프로덕션과 호환된다는 사실을 알 수 있다는 점이 큰 장점입니다.

 

이 강좌에서 무엇을 배울 수 있나요?

이 강좌는 스토리보딩을 시작하고 싶지만 어디서부터 시작해야 할지 모르는 아티스트를 위한 강좌입니다. 영화 언어의 기초와 시각적으로 스토리를 전달하는 방법을 설명합니다. 단순하게 들리겠지만, 두세 개의 이미지를 연속적으로 배치하여 스토리를 전달하는 것은 우리가 하는 모든 일의 핵심입니다. 저는 Academy of Art University(온라인)와 Lipscomb University에서 스토리보드를 가르쳤기 때문에 이 강좌는 제가 수년간 커리큘럼에 정리한 모든 것을 요약한 것입니다.

팀 호지(Tim Hodge)의 작품 'Booty Call'에서의 러프 및 클린업한 스토리보드 패널입니다.

 

강의는 어디에서 볼 수 있나요?

제 강좌는 CreatureArtTeacher라는 Aaron Blaise의 튜토리얼 웹사이트를 통해 이용할 수 있습니다. 학생들은 개별 강좌를 구매하거나 전체 플랫폼에 가입하여 모든 콘텐츠에 액세스할 수 있습니다. 저의 스토리보딩 강좌는 해당 링크에서 확인하실 수 있습니다.

 

당신의 애니매틱 'Booty Call'에서 테크닉의 예시를 볼 수 있습니다. 이 캐릭터와 그의 이야기의 영감은 무엇인가요?

이 이야기를 다양한 관점에서 접근했습니다. 첫째, 단순하게 만들고 싶었습니다: 목표를 가진 캐릭터가 장애물을 만나는 이야기. 간단하죠? 해적이라는 아이디어는 자연스러웠습니다. 해적은 보물을 원하죠. 설명도, 배경 스토리도 필요 없죠. 관객은 금방 알아듣기 때문에 바로 이야기에 빠져들 수 있고.......  저는 캐릭터를 장애물로 사용하는 아이디어를 좋아해서 원숭이를 조연으로 등장시켰더니 재미있었어요.  

두 번째로는 대사가 없는 스토리를 원했습니다. 두 가지 이유 때문이었죠: 이 수업은 그림으로 이야기를 전달하는 비주얼 스토리텔링에 관한 수업입니다. 스토리보드 아티스트는 대사를 보완해야 하며, 대사에 의존해서는 안 됩니다. 또 다른 이유는 예산 문제입니다. 배우는 돈이 듭니다. 배우에게 돈을 주고 싶지 않은 것은 아니지만, 학생들이 출연진을 섭외하지 않고도 자신만의 이야기를 만들 수 있다는 것을 보여 주고 싶었습니다. 그림에만 집중하면 되죠.

마지막으로 스토리보드의 기본 원칙을 최대한 많이 적용하고 싶었습니다. 화면 연출에 특히 주의를 기울였고, 너무 과하지 않게 최대한 많은 카메라 앵글을 사용했습니다. POV 샷(캐릭터의 시각에서 본 시점), 어깨 뒤에서의 샷, 팬, 돌리, 줌, 프레임 안의 프레임 등 모든 것을 다 사용했습니다.

Booty Call의 주인공. 스토리보드 패널 제공: 팀 호지.

 

Storyboard Pro가 'Booty Call' 단편 애니메이션 제작에 어떻게 도움이 되나요?

스토리보드 프로는 완벽한 패키지입니다. 그림을 그릴 수 있을 뿐만 아니라 내장된 타임라인 기능으로 매우 완벽한 애니매틱으로 편집할 수 있습니다. 패널을 다른 편집 소프트웨어로 내보내지 않고도 완성된 작품을 완성할 수 있다는 점이 마음에 듭니다. 다른 방법으로는 이 애니매틱을 만들 수 없었을 것 같아요.

 

카메라는 각 장면에서 보이지 않는 캐릭터라고 말씀하셨는데, 그 이론에 대해 좀 더 설명해 주실 수 있을까요?

카메라는 본질적으로 창문과 같습니다. 관객은 그 창문을 통해 이야기가 전개되는 것을 엿볼 수 있습니다. 만약 모든 영화가 보안 카메라나 블랙박스처럼 촬영된다면, 우리는 그런 결과물을 얻을 것입니다. YouTube와 TikTok이 그것이 효과적인 스타일임을 입증하고 있지 않습니까? 그러나 컷과 카메라 움직임을 도입하면, 카메라는 관객을 이끌며, 특정한 것을 바라보도록 안내하며, 세부 사항에 초점을 맞추거나 넓은 범위를 포착하도록 합니다.

고대 그리스 연극에는 합창단이 있었고, 배우들이 내레이션을 하며 부족한 부분을 채워주었던 것을 아시나요? 그러니까 카메라는 무언가 말하지 않는 합창단과 같아요. 각 관객을 손에 잡고 이끌며 때로는 롤러코스터처럼 움직이기도 하고, 때로는 가만히 앉아 순간을 감상하기도 합니다. 거창하고 허세스럽게 들릴 수 있지만, 간단히 말해서 카메라를 어디에 두느냐는 캐릭터를 어디에 두느냐만큼이나 중요합니다. 이 모든 것이 스토리텔링의 일부이기 때문입니다.

스토리보드 아티스트는 프로젝트의 시각적 스토리텔링을 담당합니다. Tim Hodge가 제공한 스토리보드 패널.

 

알프레드 히치콕 감독의 카메라 워킹에 대해 언급하셨습니다. 스토리보드를 만들 때 영화에서 얻은 아이디어를 어떻게 적용하는지에 대해 자세히 설명해 주시겠어요?

최근에 리어 윈도우와 노스 바이 노스웨스트를 다시 봤어요. 히치는 시각적 효과를 극대화하기 위해 카메라를 필요한 곳에 배치하는 데 절대적인 달인이었습니다. 그의 대표적인 버티고 샷이나 '사이코'의 샤워 장면과 같은 대담한 장면은 누구나 알고 있지만, 리어 윈도우에서 지미 스튜어트가 살인자의 아파트에서 궁지에 몰린 그레이스 켈리를 바라보며 스튜어트처럼 긴장하고 무력감을 느끼게 만드는 섬세한 작업은 정말 놀라웠습니다. 정말 놀랍습니다. 그 순간에는 대부분 그가 보여주지 않는 것이 중요하고, 무언가를 숨기고 우리의 상상을 조금 미치게 만듭니다. 보여주지 않는 것이 보여주는 것보다 더 효과적일 수 있습니다. 이것은 코미디뿐만 아니라 드라마에도 좋은 결과를 낼 수 있습니다.

 

이 강좌에서는 스토리보드 대본과 시나리오를 흥미롭게 살펴봅니다. 새 대본을 읽는 것부터 스토리보드에서 그림을 그리고 애니메이션을 만드는 과정까지 안내해 주시겠어요?

물론이죠! 대본을 받으면 당연히 먼저 읽습니다. 부분만 맡을 때에도 마찬가지입니다. 줄거리뿐만 아니라 톤도 파악하고 싶거든요. 이것이 코미디인지 드라마인지 알아보고, 코미디가 시각적인 개그인지 대사 위주인지 알아봅니다. 그런 다음 썸네일을 시작합니다. 저는 꽤 구식이라 연필로 시작하는 걸 좋아해요. 대본을 인쇄하고 여백에 그림을 그리기 시작하죠. 그런 다음 우표 크기의 작은 프레임을 만들고 화면 구성을 위한 첫인상을 그립니다.

모든 장면을 그리는 것은 아니며 때로는 대화 옆에 '슬로우 줌', 'OTS(어깨넓게 촬영)', 'ECU(Extreme Close-Up)'와 같은 메모를 쓰기도 합니다. 또한, 말하는 캐릭터가 아닌 듣는 사람에게 카메라를 위치시키고 싶은 경우에도 메모를 작성합니다. 그리고, 중요한 클라이맥스 순간이나 중요한 캐릭터 등장 순간과 같이 시각적으로 강하고 특정한 순간을 선택하기도 합니다. 그렇게 함으로써 시각적인 영향력을 창출할 수 있습니다.

이러한 썸네일은 제 첫인상이며, 종종 첫 실수를 바로잡을 수 있는 기회이기도 합니다. 썸네일 작업은 180도 전환과 화면 방향 설정에도 도움이 됩니다. 

그런 다음 모든 것을 Storyboard Pro로 가져옵니다. 최대한 빨리 각 장면에 대해 적어도 하나의 패널을 그립니다. 이 중 일부는 매우 러프해서 저 혼자만 이해할 수 있는 경우가 많습니다. 하지만 빨리 끝내면 제 속도를 조절하는 데 도움이 되고 때때로 더 나은 아이디어를 떠올리는 데 도움이 됩니다. 일련의 시퀀스를 끝까지 그리고 나서, 시작 부분에서 더 나은 설정을 할 수 있다는 것을 깨닫기도 합니다.

러프하게 그린 패널만 버리면 다시 그리는 일이 훨씬 덜 고통스럽습니다. 네, 가끔씩 흥분하게 되면 작업을 시작할 때 너무 깔끔하게 그리기 시작하거나, 개그 타이밍을 너무 일찍 잡는 경우가 있어요. 그러면 작업이 지체되고 따라잡기 어려워집니다. 저는 (TV 애니메이션에서) 하루에 대본 한 페이지를 완성하려고 노력합니다. 그래서 하루에 반 페이지밖에 완성하지 못하면 주말까지 보충해야 한다는 걸 알아요.

 

Storyboard Pro를 포토샵과 같은 다른 소프트웨어와 함께 사용하고 있습니다. Storyboard Pro를 다른 소프트웨어와 함께 사용하면 어떤가요?

네, 두 가지 모두 사용합니다. 프로젝트의 요구 사항이나 스튜디오가 한 소프트웨어를 선호하는 경우에 따라, 패널을 Photoshop에서 그린 후 Storyboard Pro로 가져와 클라이언트를 위한 PDF를 만들거나 타임라인에 넣어 애니매틱을 생성할 수 있습니다. 물론 그 시점에서 패널을 수정하는 것은 까다롭습니다. 

분명히 Photoshop은 매우 강력한 소프트웨어이며, 스토리보드 아티스트가 사용할 수 있는 너무나 다양한 기능을 가지고 있습니다. 그러나 스토리보드 아티스트는 쉽게 주의를 딴 데로 돌릴 수 있고, 명확한 스토리보드 패널 대신에 쓸데 없이 고퀄의 일러스트레이션을 만들지도 모릅니다. 더 심플한 것이 더 좋습니다. Storyboard Pro나 Photoshop, 종이 위에 마커로 그리든 간에, 이야기를 전달하는 명확한 그림을 만들어야 합니다.

 

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